10 Kompositionstipps für die Landschaftsfotografie

10 Kompositionstipps für die Landschaftsfotografie

Autorin und Fotografin: Chantal Lichtenberg

Eine gute Komposition macht eine Landschaftsaufnahme erst zum richtigen Hingucker. Beim Bildaufbau ordnen wir die Elemente in einer Szene stimmungsvoll an und rahmen sie ein, um das Auge des Betrachters so in und durch ein Bild zu lenken. Gute Kompositionen in der Landschaftsfotografie enthalten gerade genug Details und Elemente, um den Blick des Betrachters auf die wichtigsten Teile der Szene zu lenken. Zu viele Elemente können Ablenkungen verursachen. Zu wenig Elemente und der Betrachter kann das Bild möglicherweise nicht richtig interpretieren.

Im Gegensatz zu Belichtungs- und Farbkorrekturen kann die Komposition in der Nachbearbeitung nicht geändert werden. Das Zuschneiden kann dazu beitragen, unerwünschte Bildteile zu entfernen und den Bildausschnitt zu verbessern. Dies ist jedoch nur möglich, wenn Sie mit einer weitwinkligeren Brennweite als erforderlich aufnehmen. Das Zuschneiden verringert auch die Auflösung Ihrer Bilder, was sich möglicherweise auf die Druckqualität auswirkt.

Während das Ziel einer guten Komposition in der Landschaftsfotografie darin besteht, Ihr Motiv auf ästhetisch ansprechende Weise darzustellen, sind alle Kunstformen subjektiv und offen für die Meinungen und Empfindungen jedes einzelnen Betrachters. Das Verständnis der Komposition in der Fotografie ist etwas, dass Fotografen im Laufe der Zeit, durch experimentieren lernen können. Je mehr in der Praxis fotografiert wird, desto eher erkennt man die wichtigen Elemente und kann feststellen, wo diese im Bild platziert werden müssen, um ein starkes visuelles Gesamtbild und Gleichgewicht in der Aufnahme zu erzielen.

Die unten aufgeführten Kompositionstipps für die Landschaftsfotografie, zeigen worauf man achten sollte, damit wirkungsvolle Aufnahmen entstehen können.

1. Die Zwei-Drittel-Regel

Die Zwei-Drittel-Regel ist höchstwahrscheinlich eine der ersten Kompositionsregeln für die Fotografie, die man lernt. Wenn Sie diese Regel verwenden, teilen Sie Ihr Bild vertikal und horizontal mit einem Verhältnis von 1:1:1 in Drittel auf. Dadurch verbleiben neun gleich große Bereiche im Bild mit den sich überschneidenden Gitterlinien oben und unten oder rechts und links. Hier werden wichtige Elemente oder interessante Bereiche der Szene platziert. Die Zwei-Drittel-Regel kann verwendet werden, um Tiefe in Ihrer Szene zu erzeugen und den Betrachter in Ihre Bilder einzubeziehen.

Die Zwei-Drittel-Regel wird häufig verwendet, wenn überlegt wird, wo die Horizontlinie eines Bildes platziert werden soll. Anstatt den Horizont in der Mitte Ihrer Fotos zu haben, erzeugt das Komponieren mit dem Himmel entlang der oberen oder unteren horizontalen Linie oft ein ästhetisch ansprechenderes und ausgewogeneres Bild.

Viele Kameras verfügen über eine Funktion zum Überlagern eines Drittelrasters in der Live-View oder sogar im Sucher.

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2. Führungslinien

Wenn wir Fotos betrachten, folgen unsere Augen unterbewusst allen Linien, die in Bildern erscheinen. Indem Sie Führungslinien effektiv verwenden, wird der Betrachter durch das Bild geführt, die Illusion von Tiefe kann so erzeugt werden und die Art und Weise beeinflussen, wie sie eine Szene interpretieren. Die führenden Linien müssen nicht gerade sein – sie können auch kurvig, diagonal oder sogar im Zick-Zack durch Ihre Bilder verlaufen und aus verschiedenen Richtungen und Winkeln stammen. Sie können von links nach rechts, von oben nach unten, von Ecke zu Ecke gehen oder Drehungen und Wendungen nehmen.

Straßen, Wege, Bäche, Stege, Eisenbahnlinien, Zäune, Felsen und Wasserfälle sind alles Elemente, die dazu beitragen können, starke Führungslinien zu schaffen. Diese werden verwendet um Tiefe und einen dreidimensionalen Effekt in einem ansonsten zweidimensionalen Foto zu erzeugen. Die effektive Verwendung von Führungslinien zwingt den Betrachter, mehr Elemente auf dem Foto zu entdecken, indem er seine Augen vom Vordergrund zum Hintergrund und zu allem dazwischen leiten lässt.

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3. Der Vordergrund

Die Verwendung eines starken Elements im Vordergrund kann dazu beitragen, eine Trennung und Überlagerung zwischen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund Ihrer Bilder zu erzielen, was wiederum die Tiefe und die dreidimensionale Wirkung verstärkt, die viele Landschaftsbilder so attraktiv macht. Der Vordergrund sollte einen Brennpunkt bilden, der den Rest des Bildes ergänzt und nicht von den übrigen Ebenen ablenkt.

Wenn wir Bilder als Ebenen betrachten, sollte der Vordergrund ein isoliertes Motiv wie Steine, Stämme oder Zweige oder sogar eine Person enthalten. Die Vordergrundebene kann dabei helfen, der Mitte oder dem Hintergrund ein Größenverhältnis zu verleihen, und kann möglicherweise als Führungslinie verwendet werden, um die Augen des Betrachters auf die Hauptmotive zu lenken. Auch bodennah zu arbeiten und mit der Platzierung der Vordergrundelemente zu experimentieren, kann dem Landschaftsfoto mehr Tiefe geben.

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4. Verwenden eines negativen Raumes, um Motive zu isolieren  

Negativer Raum in der Kunst ist der Bereich innerhalb, zwischen und um Objekte herum. Die effektive Nutzung des negativen Raums ist eine Kompositionstechnik, die verwendet wird, um einen Bereich um Ihr Hauptmotiv herum zu erstellen, der dazu beitragen kann, ein Maßstabsgefühl zu erzielen, ohne vom Hauptmotiv abzulenken. Der negative Raum ermöglicht es den Augen des Betrachters, sich auf natürliche Weise auf das Hauptmotiv zu konzentrieren, was häufig einen dramatischen Effekt erzeugt und dem Hauptmotivs die Wichtigkeit innerhalb der Szene gibt. Die einfachste Art, sich negativen Raum vorzustellen, ist die Leere in einem Bild, die das Hauptmotiv ins Gleichgewicht bringt und Gewicht erzeugt. In den meisten Fällen fehlen im negativen Raum die wichtigen Details, die die Augen des Betrachters ablenken.

Elemente wie normaler Himmel, Gras, Sand und Wasser können dazu beitragen, das Hauptmotiv zu isolieren und den dramatischen Effekt für Maßstab und Größe zu erzielen, für den der negative Raum in der Landschaftsfotografie normalerweise verwendet wird.

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5. Verwenden des Fluchtpunktes  

Eine der häufigsten Möglichkeiten, Tiefe in Landschaftsbildern zu erzeugen, besteht darin, einen Fluchtpunkt zu verwenden, um den Blick des Betrachters auf das Bild zu lenken. Fluchtpunkte wirken in der Regel umso kleiner, je weiter sie von Ihrer Kamera entfernt sind, und sind aufgrund der Art und Weise, wie unsere Augen die Entfernung beurteilen, sehr effektiv. Linien werden so aussehen, als ob sie sich einander nähern, je weiter sie vom Betrachter entfernt sind. Linien, die von der Vorderseite des Bildes in Richtung Hintergrund verlaufen, schaffen am besten die lineare Perspektive.

Elemente wie parallele Linien, Eisenbahnschienen, Anlegestellen, Straßen und Brücken schaffen einen Fluchtpunkt, wenn sie richtig im Bild platziert sind. Wenn Sie tiefer am Boden arbeiten, kann dies den Effekt der konvergierenden Linien betonen. Hier ist jedoch zu beachten, dass sich eine zu niedrigere Perspektive negativ auf die Trennung der Elemente in den verschiedenen Ebenen des Bildes auswirken kann.

10 Kompositionstipps für die Landschaftsfotografie
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6. Veränderung der Brennweite

Unterschiedliche Objektivbrennweiten bieten unzählige Möglichkeiten, um Ihre Landschaftskompositionen zu variieren. Weitwinkelobjektive in den Bereichen von 10mm bis 35mm eignen sich hervorragend für die Aufnahme großer Szenen und bieten die Möglichkeit, Objekte nah und tief im Vordergrund zu platzieren und Motive einzurahmen. Weitwinkelobjektive werden im Allgemeinen mit Blenden von f8 bis f16 verwendet, um eine durchgängige Schärfe von vorne bis hinten und eine höhere Schärfentiefe zu erzielen.

Längere Brennweiten von 70mm bis 400mm eignen sich hervorragend, um Motive wie ferne Berge und Gebäude zu isolieren. Das enge Sichtfeld ist ideal, um Details in einem Teil der Szene einzufangen, anstatt die gesamte Szene, die Sie mit Ihren Augen sehen. Teleobjektive können eine komprimierte Perspektive erzeugen, die den Hintergrund scheinbar näher an das Hauptmotiv heranzieht, und sie können mit großen Blenden zwischen f2,8 bis f8 verwendet werden, um eine geringere Schärfentiefe und dadurch eine noch stärkere Freistellung des Motivs zu erzielen.

10 Kompositionstipps für die Landschaftsfotografie
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7. Verwendung einer zentrierten Komposition mit Rücksichtnahme auf die Symmetrie

Eine zentrierte Komposition ist möglicherweise die am einfachsten zu verstehende Form der Komposition. Indem Sie Ihr Hauptmotiv in der Mitte Ihres Bildes platzieren, machen Sie deutlich, was Ihre Betrachter sehen sollen. Dies kann auch eine großartige Möglichkeit sein, Ablenkungen um Ihr Motiv herum zu reduzieren und den Betrachter zu zwingen, nur das zu sehen, worauf er achten soll. Für viele Anfänger sind Kompositionen, bei denen die Kamera auf das Hauptmotiv ausgerichtet ist, die Grundlage für die Komposition ihrer Bilder.

Zentrierte Kompositionen eignen sich auch hervorragend, wenn Ihre Szenen symmetrische Elemente enthalten. Symmetrie kann durch horizontale und vertikale Symmetrie das Gefühl von Harmonie und ästhetischem Gleichgewicht vermitteln. Verwenden Sie Dinge wie Spiegelungen in Wasser mit einer zentrierten Komposition, um das Gleichgewicht und das zusätzliche visuelle Gewicht herzustellen.

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8. Einrahmen eines Motivs

Das Einrahmen eines Motivs kann ein markantes, entferntes Element hervorheben, um das visuelle Gewicht der Komposition zu verstärken. Elemente wie Bäume und anderes überhängendes Laub, Felsbögen und Eishöhlen sind Teile der natürlichen Landschaft, die zum Einrahmen verwendet werden können. Kontrastfarben zwischen dem Rahmen und Ihrem Hauptmotiv können dazu beitragen, Ihren Bildern eine zusätzliche Note zu verleihen.

Wie bei allen anderen Kompositionsregeln sollte die Rahmung die Kompositionen ergänzen und dazu beitragen den Blick in das Bild zu leiten.

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9. Der goldene Schnitt / Die goldene Spirale

Der goldene Schnitt ist eine Variation der Zwei-Drittel-Regel, bei der das Bild in ein Raster mit neun Bereichen unterteilt ist. Anstatt bei jedem Einzelbereich gleiche Proportionen zu haben, wird das Verhältnis von 1:0,618:1 angewendet, wodurch die mittleren Einzelbilder kleiner werden und Schnittlinien auftreten, die näher beieinander liegen. Das resultierende Gitter wird als Phi-Gitter bezeichnet. Der goldene Schnitt ist in allen Kunstformen eine Möglichkeit, Bildern ein ästhetisch ansprechendes Design zu verleihen, das eine ausgewogene und harmonische Komposition schafft. Es wird angenommen, dass viele äußerst beliebte und historische Kunstwerke, darunter die Mona Lisa und Das letzte Abendmahl, ebenfalls unter bewusster Anwendung des goldenen Schnitts geschaffen wurden.

Die Goldene Spirale (auch bekannt als Fibonacci-Spirale, benannt nach Leonardo Fibonacci, der im 12. Jahrhundert n. Chr. die mathematische Formel entwickelte) ist eine verfeinerte Version des Goldenen Schnitts, mit sich überschneidenden Quadraten, auf denen das Hauptmotiv normalerweise liegt. Die Goldene Spirale führt die Augen des Betrachters mit einem natürlichen Fluss durch ein Bild und soll in vielen Elementen der Natur wie Blütenblättern, Muscheln, Ästen und sogar Hurrikanen oder Tornados vorkommen.

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10. Experimentieren und brechen aller Kompositionsregeln

Wie bei allen Kunstformen ist die Art und Weise, wie wir Fotos und andere Bilder interpretieren und darauf reagieren, sehr persönlich und subjektiv. Was eine Person als beeindruckende Komposition zu schätzen weiß, wissen andere vielleicht nicht zu schätzen. Als Fotograf sind Sie ein Künstler und die Art und Weise, wie Sie die Szene vor Ihnen interpretieren und darstellen wollen, und Ihre persönlichen Gefühle und Emotionen für das, was Sie sehen, müssen nicht mit dem übereinstimmen, was andere fühlen. Die oben genannten Regeln sind nur Richtlinien, die helfen, die Mathematik zu verstehen, die hinter einer kreativen Kunst steckt. Aber darauf sollte man seine Arbeit nicht beschränken. Denn Kreativität kennt bekanntlich keine Grenzen.

Experimentieren Sie mit Ihrer Kamera. Machen Sie so viele Aufnahmen wie möglich. Bewegen Sie sich und erkunden Sie Ihre Standorte. Probieren Sie verschiedene Objektive und Brennweiten aus. Gehen Sie nah an Ihre Vordergrundmotive heran und entfernen Sie sich dann weiter. Suchen Sie nach Linien, die den Blick des Betrachters durch Ihre Szenen lenken können. Ändern Sie die Höhe Ihres Stativs, um verschiedene Perspektiven zu erhalten. Und vor allem: Viel Spaß beim Erstellen von Bildern, die Ihnen persönlich gefallen!

Wir hoffen dieser Beitrag konnte Ihnen weiterhelfen.

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